L'art contemporain en ville

La commande des annonces sonores diffusées à l’intérieur des 34 rames de trams et trams-trains a été confiée au compositeur français Pierre Henry. Ces sons donnent une force sensorielle aux annonces des noms de stations diffusées à bord. Le principe est de faire précéder ou d’accompagner l’annonce vocale d’un signal sonore sous la forme de quelques mesures d’une musique caractéristique des créations antérieures du compositeur (musique électro-acoustique) ou de sons enregistrés. Deux séries d’annonce sont émises selons les saisons : la première propose de petites entités musicales individuelles très synchronisées, harmonisées et mixées avec les annonces vocales. La seconde présente des séquences composées autour du nom de chaque station, souvent répétées, évoquant l’univers pictural et populaire du dessin animé. Deux univers musicaux ont été composés : l’un tonique et optimiste, l’autre basé sur l’humour et la gaieté. Au total, ce sont 23 mini-morceaux musicaux qui durent entre 6 et 11 secondes.

Né à Barcelone en 1945, Peret est un artiste aux multiples talents : graphisme, illustration, photo, sculpture... Au début des années 1980, il fonde un studio réunissant des collaborateurs internationaux et mène des projets partout dans le monde. Le graphiste espagnol a été choisi par les habitants à l’issue d’un concours pour habiller le tramway et dessiner les harmonies intérieures. Sa proposition associe un jaune ardent et chaud avec des motifs graphiques rouges et noirs, spécifiques à chacune des 27 rames et déclinés en trois familles. L’intérieur est revêtu de gris, relevé de touches rouges et jaunes avec, pour les sièges, un tissu reprenant les motifs graphiques extérieurs. La création de Peret a été déclinée pour les bus du réseau Solea.

Le «Schweissdissi», emblème fort de la ville, était sans doute le choix le plus facile à faire pour l’artiste Yves Carrey, tant il est porteur de symboles quant au riche passé industriel de la Cité du Bollwerk. La position assise de l’homme est liée au chômage (disparition des grandes manufactures mulhousiennes). Il s’agit pour l’essentiel de pièces de mécanique automobile qui proviennent d’une société de recyclage de matériaux et de vieux outils puisés dans le bric-à-brac personnel d’Yves Carrey.

Les propriétaires de cette maison qui ne passe pas inaperçue sont des amateurs d’art. Ils ont choisi de décorer leur maison dans le style de l’artiste Mondrian.

Renato Montanaro est un artiste mulhousien d’origine italienne. Il a représenté trois vaches en résine de manière monumentale. D’inspiration pop art, elles sont trois fois plus grandes que la réalité. Ici, Renato Montanaro mélange les genres, les images et les références.

Le projet de Daniel Buren repose sur l’implantation régulière, à chaque arrêt de la ligne Ouest- Est, la ligne 1 (sauf à Porte Jeune) de deux arches qui signalent les stations et créent un sentiment de continuité sur le parcours du tramway. Les arches symbolisent une porte d’entrée et une porte de sortie dont l’espacement est voisin de la longueur des rames de tramway ; elles enjambent la plate-forme. Les arches ont une section rectangulaire. Sur trois des quatre faces des arches, différentes couleurs ont été utilisées. Chaque station arbore des couleurs différentes, créant ainsi à chaque arrêt un nouvel univers. Sur la courbe extérieure, cinq bandes noires et blanches d’égale largeur se prolongent au sol en ligne droite, de part et d’autre de l’arche donnant l’aspect de rayures. Daniel Buren est connu pour avoir réalisé les colonnes de la cour du Palais Royal ou l’arche de pont de la Salves à Bilbao.

L’oeuvre d’Anne-Marie Schoen installée ici dans la Cour des Chaînes a été acquise par la Ville de Mulhouse en 1991. Elle est constituée de deux sculptures, constituées elles-mêmes de morceaux de bois serrés et attachés entre eux. Anne-Marie Schoen considère ces sculptures comme des repères, d’où le titre, qu’on pourrait disposer dans la ville pour figurer ou dessiner un parcours.

Malgré l’absence de détails, ces personnages, dont Jean-Louis Toutain est le créateur, communiquent une certaine joie de vivre, une allégresse entre humour, satire et tendresse. Les personnages que crée l’artiste oscillent entre des corps massifs, des rondeurs imposantes et une élégance, des formes épurées et aériennes. Il y a une juste mesure des volumes et Jean-Louis Toutain a réussi à allier la légèreté dans la masse, comme si ces silhouettes volaient ou flottaient tout en douceur.

L’idée de produire des moutons est venue subitement à Yves Carrey en considérant simplement des fûts de mazout qui offrent une matière première parmi les plus attrayantes par sa légèreté et son volume. Quand on observe un de ces animaux, on ne peut s’empêcher de voir une sorte de tonneau sur pattes.

Le travail de l’artiste Quentin Garel tourne autour de la sculpture en bronze, fer, bois ou porcelaine. La majorité de ses oeuvres représente un bestiaire, parfois réaliste, parfois à l’état de squelette. Il a réalisé pour la Place de la Paix, l’oeuvre «Water table». Elle est composée de 120 grenouilles en bronze, de différentes tailles, qui prennent place sur une «table» en acier. Le bassin se remplit partiellement d’eau, qui jaillit de quelques unes des grenouilles. Certaines sont travaillées dans un détail étonnant. L’oeuvre sobre s’intègre parfaitement sur la place rénovée.

Pour l’artiste, Livia de Poli, l’envie de réaliser des oeuvres de taille monumentale s’est imposée naturellement. Tout en restant dans un univers de fomes arrondies et de couleurs, elle a souhaité donner du volume à ses réalisations. La Licorne du Fayé trône au milieu du jardin du Musée des Beaux-Arts. Cette oeuvre colorée a pris sa source dans les «racontâtes» d’autrefois. Ces histoires qui se racontaient lors des veillées révèlent les soucis, les peurs et les espoirs des gens du pays sous-vosgien au cours des siècles précédents. A l’opposé, la «Licorne du Fayé» est une figure positive et solaire qui vient conjurer le mauvais sort. La face avant est constituée de courbes colorées et joyeuses. La face arrière montre quatre animaux correspondant aux quatres éléments : Terre (figure chevaline ou bovine), air (oiseau), eau (poisson) et feu (salamandre).

Tobias Rehberger a installé un champ de pommes de terre très spécial (en 2009) qui contiendrait, selon la légende qu’il a construit autour de cette oeuvre, une pomme de terre en or. Le champ de patates réellement cultivé mesure 185 m2. Au départ, les patates étaient ramassées et les premières récoltes ont été données aux Restos du Coeur. Cette oeuvre fait partie d’un plus grand ensemble que l’artiste a créé pour toute la ligne 1 du tram. D’autres oeuvres sont visibles du même artiste devant de la caserne de pompier, sur les façades du PAX, à l’arrêt de tram Musée de l’auto, etc.

L’oeuvre de Louis Perrin, artiste mulhousien, a été installée en 1989 dans le cadre de la piétonisation du secteur. C’est pour cette porte du passé qu’il a créé cette clé en bronze de 4 m de long, plantée dans le sol «comme l’épée du roi Arthur». Louis Perrin disait : «La Tour du Bollwerk je la vois comme un objet unique. Je sais bien que ce n’était pas une porte d’entrée dans Mulhouse, mais comme c’est la seule partie visible des anciens remparts... Pour moi, c’est la clé de la ville, c’est donc forcément une grosse clé, et c’est comme si on l’avait jetée là». Au fil du temps, l’oeuvre a été bien reçue par les habitants et c’est aujourd’hui un objet très vivant, où les enfants montent dessus et où les premiers tags sont apparus. Pour l’artiste, cela prouve que l’oeuvre fait maintenant «partie des murs».

L’oeuvre de Renato Montanaro, intitulée Hector, mais souvent surnommée le bouledogue, a été installée au Nouveau Bassin en 2010. L’oeuvre, pesant plus d’une tonne, est un bronze réalisé par la Fonderie Strassacker et qui a été patiné. Il s’agit d’une réplique d’un bouledogue anglais que l’artiste décline depuis 2004. L’oeuvre commandée par la Ville est la 4ème version monumentale d’Hector. L’artiste retravaille donc une image qu’il a déjà utilisée mais en l’intégrant et en le pensant en accord avec un nouvel environnement d’exposition. L’oeuvre de Renato Montanaro trouve sa place dans cet environnement naturel, faisant écho aux chiens des passants et des promeneurs de l’allée.

Cette oeuvre s’intitule Cristaux et a été commandée à l’artiste Pierre Watzky en 2013. Elle est particulière puisque l’artiste est décédé prématurément juste après l’accord de son achat par la Ville de Mulhouse. Pierre Watzky avait déjà préparé les maquettes et dessins mais c’est Roland Vonarzx qui a finalement réalisé l’oeuvre à partir des notes et croquis. Elle représente un minerai exploité dans les mines, ici, il s’agit d’un sel gemme sous sa forme cristalline, c’est à dire une imbrication de différents volumes de formes géométriques simples. Beaucoup ont alors dit que le cubisme avait intégré les oeuvres du Nouveau Bassin. En effet, il y a dans cette oeuvre un travail de formes, de géométrie, de volumes. Elle fait écho à la vie et au parcours de l’artiste qui a travaillé lui-même au fond des mines de potasse dans la région.

L’oeuvre d’Yves Carrey située au Nouveau Bassin porte le nom de L’Arbre. Elle a été installée en 2003, il s’agit de la 2ème pièce installée sur la promenade. Yves Carrey est un artiste mulhousien très connu dans le milieu artistique de la région. Soudeur de métier, il va très rapidement mettre au service de son art sa maîtrise et son savoir-faire. Son inspiration créative vient de son premier métier et il va transposer son travail manuel à un travail artistique et plastique. L’Arbre a été réalisé avec des fers à bétons, des longues tiges de ferraille qui ont été récupérées dans des friches d’anciens bâtiments des mines de potasse. Au sommet de son oeuvre, on trouve des fleurs qui sont en fait des anciens éléments de véhicules agricoles. Cette oeuvre s’intègre très bien, d’une part parce qu’elle fait référence à l’environnement (un arbre parmi les arbres) mais aussi par sa couleur qui se fond dans le décor.

L’oeuvre de Georges Hanskens a été installée en 2009 au Nouveau Bassin. La sculpture est réalisée en bronze recouverte de patine brune et est posée sur un imposant socle en granit monolithe blanc. De loin, cette oeuvre paraît plus petite que les autres, moins imposante, mais c’est certainement aussi son thème qui invite le spectateur à se rapporcher et à la contempler de plus près. Au premier abord, on découvre un ensemble de formes géométriques s’imbriquant, jouant les unes avec les autres. Sans connaître le titre de cette oeuvre, il est alors difficile de déceler l’intention de l’artiste. Lorsqu’on en connaît le nom, directement les formes prennent vie. On peut y voir une mère enlaçant son enfant. On peut aussi y voir un seul personnage, la silhouette de femme enceinte. L’artiste lui-même a déclaré avoir créé cette sculpture tel un hymne à la femme, à la gestation, à la naissance. On retrouve cette idée de naissance à travers l’environnement dans lequel l’oeuvre se place : la nature où les fleurs, les arbres naissent, vivent, fanent, etc...

En 2004, la Ville de Mulhouse passe commande à Anne-Marie Schoen pour le Nouveau Bassin. L’oeuvre Réserve présente une cage d’un rouge vif, en métal, plantée à moitié dans la terre au milieu de l’herbe. Comme si on voulait ici à cet endroit se constituer une réserve de nos différents bagages, que ce soit au sens propre (objet réel) ou au sens figuré (souvenir, mémoire, etc.). Au final, une autre lecture semble possible. Ce cube rouge est un signe fort, de danger peut-être, qui cherche à délimiter, protéger, une zone. En effet, si on s’approche de l’oeuvre, on voit que la partie de terre qui est sous cette cage n’est plus accessible et que la végétation, du lierre, y pousse sans contrôle de l’homme. On retrouve ici un lien avec le titre de l’oeuvre. Cette petite parcelle de terre serait réservée. Cependant, on comprend très vite l’ironie et le paradoxe de cette idée puisque finalement, certes l’homme ne peut plus accéder, ni avoir une incidence sur cette parcelle, mais la cage délimite, fait figure de prison pour cette végétation libre sans l’être. L’idée du titre «Réserve» peut donc aussi renvoyer à des préoccupations écologiques.

Vincente Blanchard est originaire de Rouen et vit actuellement à Mulhouse. L’oeuvre installée ici au Nouveau Bassin n’est pas sa première oeuvre monumentale, ni sa première commande publique. On retrouve plusieurs de ses oeuvres en Alsace, comme au Parc zoologique et botanique ou à Altkirch. La Jonque est une association de bronze patiné auquel l’artiste ajoute un mélange particulier de sable et de ciment pour arriver à une matière proche du mortier qui va se couler entre le métal. La matière déborde petit à petit faisant presque oublier le métal. La pierre sort peu à peu de la structure métallique. L’oeuvre est en lien étroit avec la nature et répond à l’environnement dans lequel elle s’inscrit. Le travail de Vincente Blanchard est très lié à l’idée de nature, comme on peut le voir avec le titre qu’elle donne à ses séries, les invertébrés qui sont ces animaux que l’on trouve dans la nature (inscectes, crustacés, etc.). Le titre de l’oeuvre renvoie à la nature et surtout à l’eau puisqu’une jonque est aussi le nom d’un bateau traditionnel d’Asie.

L’oeuvre de Françoise Matt-Halm, installée en 2005, est constituée d’une structure en tôle électrozinguée, mesurant 2,70 m pour un poids de 30 kg. L’artiste a conçu son oeuvre d’abord sur maquette qui permet ensuite de découper au laser les morceaux de tôle nécessaires qui vont ensuite être soudés entre eux. Elle applique enfin une peinture thermolaquée qui donne cet aspect très vif à la sculpture. Le travail artistique de Françoise Matt-Halm repose sur trois critères majeurs qui dominent dans ce projet : la stylisation pour la forme : l’artiste part d’une image figurative dont on a un indice dans le titre, ici une girafe. L’artiste va styliser, épurer, clarifier au maximum les traits de cette image pour arriver à un ensemble de formes simples et géométriques, qui en les assemblant entre elles vont reformer à la vue du spectateur l’image de départ. Il n’y a plus de détails sur l’oeuvre finale, c’est au spectateur de redessiner dans son imagination les traits ou détails manquants ; La légèreté pour la structure : l’artiste travaille la tôle électrozinguée qui est un matériau très souple, se travaillant facilement mais aussi très léger. En effet, la girafe du Nouveau Bassin semble légère, par ses traits fins, épurés et la finesse de son matériau ; La gaieté pour la couleur : Françoise Matt-Halm utilise plus généralement dans son travail artistique des couleurs vives, parfois contraires à la réalité (ici la Girafe est composée d’orange et de bleu). Cela confère à la sculpture une gaieté, un enchantement supplémentaire.

L’oeuvre d’Yves Lemarque a été commandée par la Ville de Mulhouse en 2011. La sculpture est une réplique en réduction des cheminées qui ont fait la renommée de Mulhouse, qu’on appelait auparavant la ville aux cent cheminées. Il faut aussi mettre l’oeuvre en lien avec le passé industriel du quartier du Nouveau Bassin. L’artiste a nommé sa création Julia. Par le biais de ce prénom, si commun de nos jours, il veut créer un lien avec le passant qui se promène le long du Nouveau Bassin. Pourtant, ce n’est pas l’artiste qui a une connaissance qui s’appelle Julia mais bien le spectateur qui pourrait connaître quelqu’un portant ce prénom et ainsi par le biais de la sculpture se rappeler des souvenirs, une histoire avec une personne prénommée Julia. Le fait d’apposer un prénom sur la sculpture permet également d’humaniser l’oeuvre, de lui donner une identité. Yves Lemarque a également percé la sculpture de petits trous qui en font tout le tour. A hauteur d’yeux, ces trous permettent au spectateur de regarder à l’intérieur pour donner une autre perspective et une nouvelle relation à l’oeuvre.

Alix Vondeweidt a installé son oeuvre La Danse des Trois au Nouveau Bassin en 2005. La sculpture est constituée de bois sculpté. L’oeuvre présente trois formes presque similaires partant d’un socle commun. Chaque forme s’élève et donne l’impression de s’enrouler les unes aux autres. Le mouvement circulaire des trois formes peut faire penser à une danse, une ronde. Le mouvement est très présent dans l’oeuvre et l’artiste a travaillé la sculpture dans la rondeur créant ainsi par endroits des ondes et des vagues. On peut aussi y voir trois personnages avec des silhouettes et des têtes au sommet. L’oeuvre est partie d’une idée de symboliser trois pays : la Suisse, l’Allemagne et la France. Ces pays voisins ont un socle commun mais connaissent leur histoire propre avec une voie personnelle et une politique différente. L’oeuvre montre finalement que chaque pays peut vivre et grandir seul mais qu’un lien historique et géographique liera les pays continuellement. Le socle commun leur donne puissance et énergie pour danser et s’élever vers le ciel ; mais tout en se séparant, elles restent unies.

Christian Lapie, en dressant ces troncs d’arbres, fait apparaître d’imposantes figures. Présentées en groupe ou en couple, ces figures s’imposent tout à coup au spectateur dans des lieux que l’artiste prend beaucoup en compte. A Mulhouse, on retrouve ces colosses de chaque côté de la rue, il y a cinq figures en tout qui dialoguent face à face. Ces sculptures sont positionnées là, telles des figures totémiques, monumentales. Une figure humaine apparaît grâce à la petite tête située au sommet. Cependant, quand on s’approche, on voit qu’il s’agit d’une sculpture sans âge, sans visage, sans membres, de toutes nations, toutes cultures, sans race. On retrouve ici la volonté de construire un dialogue universel, s’adressant à tout le monde. Les âmes que crée l’artiste peuvent évoquer quelque chose de différent à tout un chacun, tout en gardant à l’esprit la figure métaphorique de l’être. Certains parlent de brutalité manifeste face à ces colosses muets, lointains, tels des fantômes ; d’autres y voient davantage des gardiens, des figures de protection qui gardent et veillent le lieu. Le lien avec la nature est dans cette oeuvre très présent avec l’utilisation du bois mais aussi par cette idée à la fois d’enracinement du tronc dans la terre et l’élévation vers le ciel, comme les arbres alentours.

Kristian Ingold, artiste local, a donné une grande importance au lieu où allait s’implanter son oeuvre. Son souhait était de créer une sculpture qui soit à la fois dynamique et en lien avec l’espace environnant mais, sans toutefois créer un point focal, qui accrocherait l’oeil du visiteur. Comme le dit l’artiste, il a pensé son oeuvre comme une sculpture « qui se découvre plutôt qu’elle ne s’impose ». Il a donc cherché à conserver la perspective ouverte par l’allée bordée d’arbres. La forme de l’oeuvre donne naissance à un objet pouvant avoir plusieurs usages dans son espace : banc ou table, lieu de convivialité, d’échange, de jeu ou de médiation. L’oeuvre est constituée de matériaux forts tel le métal pour la partie supérieure et la roche pour les quatre socles représentant aussi des pieds. La forme sculptée par l’artiste est en fait le symbole mathématique de l’infini, appelé aussi la lemniscate. Cela crée comme un trait continu, comme le signe de l’infini. On peut aussi parler d’Ouroboros pour désigner cette forme, terme que l’artiste a utilisé pour le titre de son oeuvre. Il renvoie tout d’abord au symbole de l’infini mais aussi à cette sculpture qui continuera de vivre au fil des années avec la multitude des passants qui vont la regarder, l’utiliser et infiniment réactualiser l’oeuvre.

Cette oeuvre a été installée au Nouveau Bassin en 2011. Elle résulte d’un concours d’art plastique lancé auprès des lycéens mulhousiens sur le thème de « La planète se réchauffe, n’ayons pas froid aux yeux ! ». Ce sont deux lycées qui ont remporté le concours : le Lycée général Lambert et le Lycée professionnel Stoessel. Julie Wittich et Marie Kebs sont les deux conceptrices de l’oeuvre qui suivaient l’option arts plastiques au Lycée Lambert. L’oeuvre a ensuite été réalisée par des élèves en CAP Métallerie du lycée Stoessel. La fabrication a nécessité 148 tuyaux en acier inoxydable et plusieurs fûts métalliques recyclés. L’oeuvre pèse environ 700 kg. L’image de l’ours a été choisie comme lien fort avec le réchauffement climatique. Choisir des tuyaux percés et entrouverts permet aussi de donner cet aspect fragile à l’ours, pour signifier qu’il s’agit d’un animal en danger, déjà atteint par les dégâts causés sur la nature et son environnement. Le lien peut aussi se faire avec les ours polaires présents au Parc zoologique et botanique de Mulhouse. Enfin, le titre de l’oeuvre fait référence à la constellation céleste qui serait comme un cap à suivre pour trouver les solutions face aux dégâts que connaissent la nature et la planète.

Cette oeuvre a été créée en 2017 par Pascal Gangloff, sculpteur et céramiste mulhousien. Il a participé au programme des sculptures estivales en 2011 pendant lequel il a présenté quatre sculptures de personnages à tête d’animaux, figurant des thèmes de la vie quotidienne. C’est une des dernières oeuvres que Pascal Gangloff a réalisé à Mulhouse avant de quitter la région. Aussi, on retrouve dans sa sculpture cet univers onirique si particulier à l’artiste qui mêle le monde des humains et des animaux en mélangeant également de nombreux matériaux comme on peut le voir aussi dans une autre oeuvre de Pascal Gangloff qui est installée devant l’école des tonneliers à Mulhouse.

Jean-Pierre Raynaud est un artiste français de renommée internationale né en 1939 et originaire de Courbevoie. Il est très connu pour ses oeuvres, notamment ses pots de fleurs mais également pour ses oeuvres réalisées à l’aide de carrelage blanc aux joints noirs, qui sont devenues sa marque de fabrique. L’oeuvre Space a été commandée par la Ville de Mulhouse avec l’aide financière de l’Etat. Il s’agit d’une volonté politique de mettre en place un véritable programme de commandes publiques d’oeuvres d’art. Pour l’adjoint Michel Samuel-Weis, Mulhouse était l’une des dernières villes à n’avoir pas fait de commandes publiques et était en manque d’oeuvres d’art dans l’espace public. La sculpture présente un ensemble circulaire et ascendant de huit colonnes blanches érigées. L’oeuvre est assez épurée, prend naissance dans le sol d’où s’élèvent ces huit colonnes ou stèles suivant une progression mathématique qui les attire vers le ciel. La blancheur de la sculpture se confronte à la brutalité du bruit du circuit autoroutier proche et, même la nuit, elle est relevée par les feux de voitures. Pour l’artiste, il s’agit à la fois d’une « oeuvre d’art, d’une architecture, d’un signal, d’une énigme », mais qui créé un nouvel espace dans la ville, un espace public avec une pensée libre.