Zeitgenössische Kunst in der Stadt

Der 1945 in Barcelona geborene Peret ist ein vielseitig begabter Künstler: Grafikdesign, Illustration, Fotografie, Skulptur? Zu Beginn der 1980er Jahre gründete er ein Atelier mit internationalen Mitarbeitern und führt Projekte in der ganzen Welt durch. Der spanische Grafikdesigner wurde von den Einheimischen nach einem Wettbewerb ausgewählt, um die Straßenbahn zu kleiden und die Harmonie der Innenräume zu gestalten. Sein Vorschlag kombiniert ein warmes, feuriges Gelb mit roten und schwarzen grafischen Motiven, die für jede der 27 Straßenbahnen spezifisch und in drei Familien aufgeteilt sind. Die Innenausstattung ist in Grau mit roten und gelben Akzenten gehalten, und die Sitze sind mit einem Stoff gepolstert, der die grafischen Motive auf der Außenseite aufgreift. Das Peret-Design wurde für die Busse des Solea-Netzes entworfen.

Die «Schweissdissi», ein starkes Wahrzeichen der Stadt, war zweifellos die einfachste Wahl für den Künstler Yves Carrey, da sie so symbolisch für die reiche industrielle Vergangenheit der Stadt Bollwerk steht. Die Sitzposition des Mannes ist mit der Arbeitslosigkeit verbunden (Verschwinden der großen Mulhouse-Fabriken). Die meisten Stücke sind Automechaniker einer Firma, die Materialien und alte Werkzeuge aus Yves Carrey’s persönlichem Trödelladen recycelt.

Die Besitzer dieses Hauses, das nicht unbemerkt bleibt, sind Kunstliebhaber. Sie haben sich dafür entschieden, ihr Haus im Stil des Künstlers Mondrian zu dekorieren.

Renato Montanaro ist ein Künstler italienischer Herkunft aus Mulhouse. Er hat drei Kühe in Harz auf monumentale Art und Weise dargestellt. Von der Pop-Art inspiriert, sind sie dreimal grösser als die Realität. Hier vermischt Renato Montanaro Genres, Bilder und Referenzen.

Das Projekt von Daniel Buren basiert auf der regelmäßigen Installation von zwei Bögen an jeder Haltestelle der West-Ost-Linie der Linie 1 (außer an der Porte Jeune), die die Stationen markieren und ein Gefühl der Kontinuität entlang der Straßenbahnlinie erzeugen. Die Bögen symbolisieren eine Eingangstür und eine Ausgangstür, deren Abstand in etwa der Länge der Straßenbahnzüge entspricht; sie überspannen den Bahnsteig. Die Bögen haben einen rechteckigen Querschnitt. Auf drei der vier Seiten der Bögen wurden unterschiedliche Farben verwendet. Jede Station hat andere Farben, wodurch an jeder Haltestelle eine neue Welt entsteht. Auf der äußeren Kurve erstrecken sich auf beiden Seiten des Bogens fünf gleich breite schwarz-weiße Streifen in gerader Linie vom Boden aus, die den Eindruck von Streifen erwecken. Es ist bekannt, dass Daniel Buren die Säulen des Hofes des Königspalastes oder den Brückenbogen der Salven in Bilbao gefertigt hat.

Das hier im Cour des Chaînes installierte Werk von Anne-Marie Schoen wurde 1991 von der Stadt Mulhouse erworben. Es besteht aus zwei Skulpturen, die ihrerseits aus Holzstücken bestehen, die fest miteinander verbunden sind. Anne-Marie Schoen betrachtet diese Skulpturen als Wahrzeichen, daher der Titel, mit dem in der Stadt eine Route dargestellt oder gezeichnet werden könnte.

Trotz des Mangels an Details vermitteln diese von Jean-Louis Toutain geschaffenen Figuren eine gewisse Lebensfreude, eine Fröhlichkeit zwischen Humor, Satire und Zärtlichkeit. Die von dem Künstler geschaffenen Figuren oszillieren zwischen massiven Körpern, imposanter Rundheit und Eleganz, reinen und luftigen Formen. Es gibt ein angemessenes Mass an Volumen, und Jean-Louis Toutain ist es gelungen, die Leichtigkeit in der Masse zu kombinieren, als ob diese Silhouetten fliegen oder sanft schweben würden.

Die Idee, Schafe zu produzieren, kam Yves Carrey plötzlich, indem er einfach Heizölfässer in Erwägung zog, die einen der attraktivsten Rohstoffe in Bezug auf Leichtigkeit und Volumen bieten. Wenn man sich eines dieser Tiere ansieht, kann man nicht umhin, eine Art Fass auf Beinen zu sehen.

Das Werk des Künstlers Quentin Garel dreht sich um Skulpturen aus Bronze, Eisen, Holz oder Porzellan. Die meisten seiner Werke stellen ein Bestiarium dar, manchmal realistisch, manchmal skelettartig. Für die Place de la Paix schuf er das Werk «Water table». Es besteht aus 120 bronzenen Fröschen unterschiedlicher Größe, die auf einem «Tisch» aus Stahl sitzen. Das Becken ist teilweise mit Wasser gefüllt, das aus einigen der Frösche sprudelt. Einige von ihnen sind in einem erstaunlichen Detail gearbeitet. Das nüchterne Werk fügt sich perfekt in den renovierten Platz ein.

Für die Künstlerin, Livia de Poli, war der Wunsch, Werke von monumentaler Größe zu schaffen, eine Selbstverständlichkeit. Während sie sich in einem Universum von runden Formen und Farben bewegte, wollte sie ihren Kreationen Volumen verleihen. Das Einhorn der Fayé thront in der Mitte des Gartens des Museums der Schönen Künste. Dieses farbenfrohe Werk hat seinen Ursprung in den «Erzählungen» der Vergangenheit. Diese Geschichten, die bei Mahnwachen erzählt wurden, offenbaren die Sorgen, Ängste und Hoffnungen der Menschen des subvogesischen Landes in den vergangenen Jahrhunderten. Auf der anderen Seite ist das «Einhorn von Fayé» eine positive und solare Figur, die kommt, um Unglück abzuwehren. Die Vorderseite besteht aus farbenfrohen und fröhlichen Kurven. Die Rückseite zeigt vier Tiere, die den vier Elementen entsprechen: Erde (Pferde- oder Rinderfigur), Luft (Vogel), Wasser (Fisch) und Feuer (Salamander).

Tobias Rehberger installierte (2009) ein ganz besonderes Kartoffelfeld, das der Legende nach eine goldene Kartoffel enthält. Das tatsächlich bewirtschaftete Kartoffelfeld misst 185 m2. Zunächst wurden die Kartoffeln gesammelt und die ersten Ernten an die Restos du Coeur übergeben. Dieses Werk ist Teil eines grösseren Ensembles, das der Künstler für die gesamte Linie 1 der Strassenbahn geschaffen hat. Weitere Werke desselben Künstlers sind vor der Feuerwache, an den Fassaden der PAX, an der Straßenbahnhaltestelle Musée de l’auto usw. zu sehen.

Das Werk von Louis Perrin, einem Künstler aus Mulhouse, wurde 1989 im Rahmen der Fußgängerzone des Gebiets installiert. Für diese Tür der Vergangenheit schuf er diesen 4 m langen Bronzeschlüssel, der «wie König Artus’ Schwert» in den Boden gepflanzt wurde. sagte Louis Perrin: «Den Bollwerk-Turm sehe ich als ein einzigartiges Objekt. Ich weiß, dass er kein Tor zu Mulhouse war, aber da er der einzige sichtbare Teil der alten Stadtmauer ist ... Für mich ist er der Schlüssel zur Stadt, also muss es ein großer Schlüssel sein, und es ist, als ob er dorthin geworfen worden wäre». Im Laufe der Zeit wurde das Werk von den Einwohnern gut aufgenommen, und heute ist es ein sehr lebendiges Objekt, auf das Kinder klettern und auf dem die ersten Schilder erschienen. Für den Künstler beweist dies, dass das Werk nun «Teil der Wände» ist.

Das Werk von Renato Montanaro mit dem Titel Hektor, das aber oft als Bulldogge bezeichnet wird, wurde 2010 im Nouveau Bassin installiert. Bei dem über eine Tonne schweren Werk handelt es sich um eine von der Gießerei Strassacker hergestellte Bronze, die eine Patina erhalten hat. Es handelt sich um die Replik einer englischen Bulldogge, die der Künstler seit 2004 verwendet. Bei dem von der Stadt in Auftrag gegebenen Werk handelt es sich um Hektors 4. monumentale Version. Monumentalversion. Der Künstler überarbeitet damit ein bereits verwendetes Bild, integriert es jedoch und denkt es in Übereinstimmung mit einer neuen Ausstellungsumgebung. Das Werk von Renato Montanaro findet seinen Platz in dieser natürlichen Umgebung und erinnert an die Hunde der Passanten und Spaziergänger in der Gasse.

Dieses Werk trägt den Titel «Crystals» und wurde 2013 beim Künstler Pierre Watzky in Auftrag gegeben. Das Besondere daran ist, dass der Künstler vorzeitig verstarb, kurz nachdem die Stadt Mulhouse den Ankauf genehmigt hatte. Pierre Watzky hatte bereits die Modelle und Zeichnungen vorbereitet, aber es war Roland Vonarzx, der das Werk schliesslich nach Notizen und Skizzen anfertigte. Es stellt ein in Bergwerken abgebautes Erz dar, hier ist es ein Steinsalz in seiner kristallinen Form, d.h. ein Ineinandergreifen verschiedener Volumen einfacher geometrischer Formen. Viele sagten damals, der Kubismus habe die Werke des Neuen Beckens integriert. In der Tat gibt es in diesem Werk ein Werk der Formen, der Geometrie, der Volumen. Es spiegelt das Leben und den Werdegang des Künstlers wider, der selbst auf dem Grund der Kalibergwerke in der Region arbeitete.

Das im Nouveau Bassin angesiedelte Werk von Yves Carrey trägt den Namen L’Arbre. Es wurde 2003 installiert, es ist das 2. auf der Promenade installierte Werk. Yves Carrey ist ein Künstler aus Mulhouse, der in der Künstlergemeinde der Region sehr bekannt ist. Er ist von Beruf Schweißer und wird sein Können und sein Know-how sehr schnell in den Dienst seiner Kunst stellen. Seine kreative Inspiration kommt aus seinem ersten Beruf, und er wird seine manuelle Arbeit in ein künstlerisches und plastisches Werk umsetzen. Der Baum wurde mit Betoneisen, langen Stäben aus Altmetall, das aus der Brache alter Gebäude in den Kalibergwerken gewonnen wurde, hergestellt. An der Spitze seiner Arbeit stehen Blumen, die in Wirklichkeit alte Teile von landwirtschaftlichen Fahrzeugen sind. Dieses Werk integriert sich sehr gut, zum einen, weil es sich auf die Umwelt bezieht (ein Baum unter Bäumen), aber auch wegen seiner Farbe, die sich in das Dekor einfügt.

Das Werk von Georges Hanskens wurde 2009 im Nouveau Bassin installiert. Die Skulptur besteht aus Bronze, die mit einer braunen Patina überzogen ist, und steht auf einem imposanten weißen monolithischen Granitsockel. Aus der Entfernung erscheint dieses Werk kleiner als die anderen, weniger imposant, aber es ist sicherlich auch sein Thema, das den Betrachter dazu einlädt, näher heranzukommen und es genauer zu betrachten. Auf den ersten Blick entdeckt man eine Reihe von ineinander greifenden geometrischen Formen, die miteinander spielen. Ohne den Titel dieses Werkes zu kennen, ist es dann schwierig, die Intention des Künstlers zu erkennen. Sobald der Name bekannt ist, werden die Formen direkt lebendig. Wir können eine Mutter sehen, die ihr Kind umarmt. Wir können auch eine einzelne Figur sehen, die Silhouette einer schwangeren Frau. Der Künstler selbst sagte, dass er diese Skulptur als eine Hymne an die Frau, an die Schwangerschaft, an die Geburt geschaffen hat. Wir finden diese Idee der Geburt durch die Umgebung, in der das Werk steht: die Natur, in der Blumen und Bäume geboren werden, leben, verwelken, usw...

Im Jahr 2004 erteilte die Stadt Mulhouse Anne-Marie Schoen einen Auftrag für das Neue Becken. Die Arbeit Réserve präsentiert einen leuchtend roten Metallkäfig, der zur Hälfte in der Mitte des Rasens in den Boden gepflanzt ist. Es ist, als wollten wir hier eine Reserve unserer verschiedenen Gepäckstücke anlegen, sei es im wörtlichen (reales Objekt) oder im übertragenen Sinne (Erinnerung, Gedenken usw.). Am Ende scheint eine andere Lesart möglich. Dieser rote Würfel ist ein starkes Zeichen, vielleicht ein Zeichen der Gefahr, die eine Zone abgrenzen, schützen will. Wenn wir uns dem Werk nähern, sehen wir in der Tat, dass der Teil der Erde unter diesem Käfig nicht mehr zugänglich ist und dass dort Vegetation, Efeu, ohne menschliche Kontrolle wächst. Hier finden wir einen Link mit dem Titel des Werkes. Dieses kleine Stück Land wäre reserviert. Man versteht jedoch schnell die Ironie und die Paradoxie dieser Idee, denn obwohl der Mensch dieses Stück Land nicht mehr betreten oder darauf Einfluss nehmen kann, ist der abgegrenzte Käfig letztlich wie ein Gefängnis für diese Vegetation, die frei ist, ohne frei zu sein. Die Idee des Titels «Reservat» kann sich also auch auf ökologische Belange beziehen.

Vincente Blanchard stammt ursprünglich aus Rouen und lebt derzeit in Mulhouse. Das hier im Nouveau Bassin installierte Werk ist nicht sein erstes monumentales Werk und auch nicht sein erster öffentlicher Auftrag. Mehrere seiner Werke sind im Elsass zu finden, wie zum Beispiel im Zoologischen und Botanischen Park oder in Altkirch. La Jonque ist eine Assoziation von patinierter Bronze, der der Künstler eine besondere Mischung aus Sand und Zement hinzufügt, um ein mörtelnahes Material zu erhalten, das zwischen dem Metall fließt. Das Material läuft nach und nach über und vergisst dabei fast das Metall. Nach und nach kommt der Stein aus der Metallstruktur heraus. Das Werk ist eng mit der Natur verbunden und reagiert auf die Umgebung, in der es sich befindet. Das Werk von Vincente Blanchard ist eng mit der Idee der Natur verbunden, wie man an dem Titel erkennen kann, den sie ihrer Serie gibt, den wirbellosen Tieren, die in der Natur vorkommen (Insekten, Krebstiere usw.). Der Titel der Arbeit bezieht sich auf die Natur und insbesondere auf das Wasser, denn eine Dschunke ist auch der Name eines traditionellen Bootes aus Asien.

Die 2005 installierte Arbeit von Françoise Matt-Halm besteht aus einer elektrolytisch verzinkten Blechstruktur, die 2,70 m für ein Gewicht von 30 kg misst. Die Künstlerin entwarf ihre Arbeit zunächst anhand eines Modells, aus dem dann die notwendigen Blechteile per Laser ausgeschnitten und zusammengeschweißt werden können. Zum Schluss trägt sie eine thermolackierte Farbe auf, die der Skulptur diesen sehr lebendigen Aspekt verleiht. Die künstlerische Arbeit von Françoise Matt-Halm basiert auf drei Hauptkriterien, die dieses Projekt beherrschen: Stilisierung für die Form: Die Künstlerin geht von einem figurativen Bild aus, für das wir im Titel eine Ahnung haben, hier eine Giraffe. Der Künstler stilisiert, reinigt und klärt die Merkmale dieses Bildes so weit wie möglich, um zu einer Reihe von einfachen und geometrischen Formen zu gelangen, die, indem sie zusammengesetzt werden, das ursprüngliche Bild im Kopf des Betrachters neu formen. Es gibt keine Details mehr auf dem endgültigen Werk, es liegt am Betrachter, in seiner Vorstellung die fehlenden Linien oder Details nachzuzeichnen; Leichtigkeit für die Struktur: der Künstler arbeitet mit galvanisch verzinktem Blech, das ein sehr flexibles Material ist, leicht zu bearbeiten, aber auch sehr leicht. In der Tat wirkt die Giraffe des Nouveau Bassin leicht, durch ihre feinen, reinen Linien und die Feinheit des Materials; Heiterkeit für die Farbe: Françoise Matt-Halm verwendet in ihrer künstlerischen Arbeit im Allgemeinen helle Farben, die manchmal der Realität widersprechen (hier besteht die Giraffe aus Orange und Blau). Dies verleiht der Skulptur eine Heiterkeit, eine zusätzliche Verzauberung.

Das Werk von Yves Lemarque wurde 2011 von der Stadt Mulhouse in Auftrag gegeben. Bei der Skulptur handelt es sich um eine verkleinerte Nachbildung der Schornsteine, die Mülhausen berühmt gemacht haben, früher bekannt als die Stadt der hundert Schornsteine. Das Werk steht auch im Zusammenhang mit der industriellen Vergangenheit des Nouveau Bassin-Viertels. Der Künstler nannte seine Schöpfung Julia. Mit diesem Vornamen, der heute so üblich ist, möchte er eine Verbindung zu den Passanten herstellen, die am Nouveau Bassin entlang gehen. Es ist jedoch nicht der Künstler, der eine Bekannte namens Julia hat, sondern der Betrachter, der jemanden mit diesem Namen kennen könnte und so durch die Skulptur Erinnerungen wachruft, eine Geschichte mit einer Person namens Julia. Die Anbringung eines Vornamens auf der Skulptur trägt auch dazu bei, das Werk zu vermenschlichen, ihm eine Identität zu geben. Yves Lemarque hat die Skulptur auch mit kleinen Löchern durchbohrt, die rundum verlaufen. Auf Augenhöhe erlauben diese Löcher dem Betrachter, ins Innere zu schauen, um eine andere Perspektive und eine neue Beziehung zum Werk herzustellen.

Alix Vondeweidt installierte 2005 sein Werk La Danse des Trois im Nouveau Bassin. Die Skulptur ist aus geschnitztem Holz gefertigt. Das Werk zeigt drei fast ähnliche Formen, die von einem gemeinsamen Sockel ausgehen. Jede Form erhebt sich und erweckt den Eindruck, sich übereinander zu rollen. Die kreisförmige Bewegung der drei Formen lässt an einen Tanz, eine Runde, denken. Die Bewegung ist in dem Werk sehr präsent, und der Künstler hat die Skulptur in der Rundung gearbeitet, wodurch an einigen Stellen Wellen und Riffel entstehen. Wir können auch drei Figuren mit Silhouetten und Köpfen an der Spitze sehen. Die Arbeit ging von der Idee aus, drei Länder zu symbolisieren: die Schweiz, Deutschland und Frankreich. Diese Nachbarländer haben eine gemeinsame Basis, kennen aber ihre eigene Geschichte mit einem persönlichen Weg und einer anderen Politik. Die Arbeit zeigt schliesslich, dass jedes Land alleine leben und wachsen kann, dass aber eine historische und geografische Verbindung die Länder kontinuierlich miteinander verbindet. Die gemeinsame Basis gibt ihnen Kraft und Energie, um zu tanzen und in den Himmel aufzusteigen; aber während sie sich trennen, bleiben sie doch vereint.

Christian Lapie lässt, indem er diese Baumstämme aufrichtet, imposante Figuren erscheinen. In einer Gruppe oder als Paar präsentiert, drängen sich diese Figuren dem Betrachter plötzlich an Orten auf, die der Künstler sehr berücksichtigt. In Mulhouse finden wir diese Riesen auf jeder Straßenseite, es sind insgesamt fünf Figuren, die von Angesicht zu Angesicht miteinander sprechen. Diese Skulpturen sind dort wie totemistische, monumentale Figuren aufgestellt. Eine menschliche Figur erscheint dank des kleinen Kopfes an der Spitze. Wenn man sich ihr jedoch nähert, sieht man, dass es sich um eine Skulptur ohne Alter, ohne Gesicht, ohne Angehörige aller Nationen, aller Kulturen, ohne Rasse handelt. Hier finden wir den Willen, einen universellen Dialog aufzubauen, der sich an alle wendet. Die Seelen, die der Künstler erschafft, können für jeden etwas anderes hervorrufen, ohne dabei die metaphorische Figur des Seins aus den Augen zu verlieren. Einige sprechen von offensichtlicher Brutalität angesichts dieser stummen, weit entfernten, geisterhaften Kolosse; andere sehen sie eher als Wächter, als Schutzfiguren, die den Ort bewachen und bewachen. Die Verbindung zur Natur ist in diesem Werk sehr präsent durch die Verwendung von Holz, aber auch durch diese Idee sowohl der Verwurzelung des Stammes in der Erde als auch der Erhebung in den Himmel, wie die umgebenden Bäume.

Kristian Ingold, ein einheimischer Künstler, legte großen Wert auf den Ort, an dem sein Werk Wurzeln schlagen sollte. Sein Wunsch war es, eine Skulptur zu schaffen, die sowohl dynamisch als auch mit dem umgebenden Raum verbunden ist, ohne jedoch einen Brennpunkt zu schaffen, der die Aufmerksamkeit des Besuchers auf sich zieht. Wie der Künstler sagt, betrachtete er sein Werk als eine Skulptur, «die eher entdeckt als aufgezwungen werden kann». Er bemühte sich daher, die durch den baumgesäumten Gang eröffnete Perspektive zu bewahren. Die Form des Werkes lässt ein Objekt entstehen, das in seinem Raum mehrere Nutzungen haben kann: Bank oder Tisch, ein Ort der Geselligkeit, des Austauschs, des Spiels oder der Vermittlung. Das Werk besteht aus starken Materialien wie Metall für den oberen Teil und Fels für die vier Sockel, die ebenfalls Füße darstellen. Die vom Künstler geformte Form ist in der Tat das mathematische Symbol der Unendlichkeit, auch Lemniskate genannt. Sie entsteht als eine durchgehende Linie, wie das Zeichen der Unendlichkeit. Man kann auch von Ouroboros sprechen, um diese Form zu bezeichnen, ein Begriff, den der Künstler für den Titel seines Werks verwendete. Er bezieht sich in erster Linie auf das Symbol der Unendlichkeit, aber auch auf diese Skulptur, die im Laufe der Jahre mit der Vielzahl von Passanten weiterleben wird, die sie anschauen, sie benutzen und das Werk unendlich aktualisieren werden.

Dieses Werk wurde 2011 im Nouveau Bassin installiert. Sie ist das Ergebnis eines Wettbewerbs für plastische Kunst, der unter Schülern aus Mulhouse zum Thema «Der Planet erwärmt sich, fürchten wir uns nicht! ». Zwei Gymnasien haben den Wettbewerb gewonnen: das Lycée Général Lambert und das Lycée Professionnel Stoessel. Julie Wittich und Marie Kebs sind die beiden Gestalterinnen des Werks, die am Lycée Lambert Bildende Kunst studiert haben. Das Werk wurde anschließend von Studenten des CAP Métallerie am Lycée Stoessel geschaffen. Für die Herstellung wurden 148 Edelstahlrohre und mehrere Fässer aus recyceltem Metall benötigt. Das Werk wiegt etwa 700 kg. Das Bild des Bären wurde als starker Zusammenhang mit der globalen Erwärmung gewählt. Die Wahl von durchbohrten und halboffenen Rohren verleiht dem Bären auch diesen zerbrechlichen Aspekt, um zu signalisieren, dass es sich um ein vom Aussterben bedrohtes Tier handelt, das bereits von den Schäden betroffen ist, die der Natur und ihrer Umwelt zugefügt werden. Die Verbindung kann auch mit den im Parc zoologique et botanique de Mulhouse anwesenden Eisbären hergestellt werden. Schliesslich bezieht sich der Titel der Arbeit auf die Himmelskonstellation, die wie ein Kurs wäre, den man einschlagen könnte, um Lösungen für die Schäden zu finden, die der Natur und dem Planeten zugefügt werden.

Dieses Werk wurde 2017 von Pascal Gangloff, einem Bildhauer und Keramiker aus Mulhouse, geschaffen. Er nahm 2011 am sommerlichen Skulpturenprogramm teil, bei dem er vier Skulpturen mit Tierköpfen präsentierte, die Themen aus dem täglichen Leben darstellen. Dies ist eines der letzten Werke, die Pascal Gangloff in Mulhouse schuf, bevor er die Region verliess. Auch finden wir in seiner Skulptur dieses traumhafte Universum, das dem Künstler so eigen ist, der die Welt der Menschen und Tiere vermischt, indem er ebenfalls viele Materialien mischt, wie wir auch in einem anderen Werk von Pascal Gangloff sehen können, das vor der Küferschule in Mulhouse installiert ist.

Jean-Pierre Raynaud ist ein französischer Künstler von internationalem Ruf, der 1939 in Courbevoie geboren wurde. Er ist bekannt für seine Werke, insbesondere für seine Blumentöpfe, aber auch für seine Arbeiten aus weißen Fliesen mit schwarzen Fugen, die zu seinem Markenzeichen geworden sind. Das Werk Space wurde von der Stadt Mulhouse mit finanzieller Unterstützung des Staates in Auftrag gegeben. Es handelt sich um den politischen Willen, ein echtes Programm von öffentlichen Aufträgen für Kunstwerke aufzustellen. Für den Abgeordneten Michel Samuel-Weis war Mülhausen eine der letzten Städte, die keine öffentlichen Aufträge vergeben hat, und es fehlte an Kunstwerken im öffentlichen Raum. Die Skulptur stellt eine kreisförmige und aufsteigende Gruppe von acht aufgestellten weißen Säulen dar. Das Werk ist ziemlich übersichtlich und hat seinen Ursprung in dem Boden, aus dem diese acht Säulen oder Stelen nach einer mathematischen Progression, die sie in Richtung Himmel zieht, aufsteigen. Das Weiss der Skulptur steht der Brutalität des Lärms der nahe gelegenen Autobahnrunde gegenüber, und selbst nachts wird sie durch die Lichter der Autos angehoben. Für den Künstler ist sie gleichzeitig ein «Kunstwerk, ein Stück Architektur, ein Signal, ein Rätsel», das jedoch einen neuen Raum in der Stadt schafft, einen öffentlichen Raum mit freien Gedanken.